織田コレクション「ハンス・ウェグナー展 至高のクラフツマンシップ」を鑑賞してきました。

ハンス・ウェグナーは、生涯で500点以上の家具作品を残したデザイナーです。本展は、国内最大規模ともいえる回顧展であり、彼の思想・技術・美意識を実物を通して体感できる、非常に貴重な機会でした。本記事では、展示構成に沿って、ウェグナーという人物とその仕事を4つの章に分けて振り返ります。

ハンス・ウェグナーは、20世紀を代表するデンマークの家具デザイナーです。

彼のキャリアは、14歳で木工マイスター「H.F.スタールベルク」の徒弟となったことから始まります。
17歳で「ファーストチェア」を制作し、18歳で木工マイスターの資格を取得。10代のうちに、すでに職人としての確かな知識と技術を身につけていました。
つまり、ウェグナーのデザインの根底には、常に「作ることを知っている人の視点」があります。
机上の造形ではなく、木の性質、加工工程、手の動きまでを理解したうえで生まれるフォルム。その誠実さが、椅子という日用品に静かな説得力を与えているのだと感じました。

本展で特に印象的だったのが、デンマークの椅子づくりのプロセスに焦点を当てた展示です。

デンマークでは、椅子をデザインする際、５分の１スケールの図面をもとに模型（スケールモデル）を制作します。
それは単なる確認用の模型ではなく、実際の商品化を想定し、実物と同じ工程をなぞるための重要なプロセスです。
制作時間の割り出し、プロポーションの検証、構造に無理がないかの確認。
こうした工程を経ることで、デザインは「美しい案」から「成立する製品」へと磨き上げられていきます。

また、展示されていた「Yチェア」や「ピーコックチェア」などを分解したパーツ展示も、非常に興味深いものでした。
完成形だけでは見えない構造の合理性と職人技。その裏側を知ることで、ウェグナーの椅子がなぜ長く作り続けられているのかが、腑に落ちます。

ウェグナーは「家具に裏面があってはならない」という言葉を残しています。
どの角度から見ても美しくあること。それは、造形だけでなく、仕上げや構造にまで及ぶ思想です。

会場では、数々の名作椅子をあらゆる角度から鑑賞できる展示が組まれていました。
背面、側面、脚部、接合部。そのすべてが、デザインの一部として丁寧に考え抜かれていることがよくわかります。

また、実際に座ることができる体験コーナーが設けられていたのも、この展示の大きな魅力でした。
視覚だけでなく、身体を通して感じることで、ウェグナーのデザインが「人のための椅子」であることを実感できます。

「ピーコックチェア JH550」

「Yチェア CH24」

1945年から1990年までの作品を年代順に追う展示では、製造技術の変化とデザインの一貫性の両方が浮かび上がってきます。

手仕事が中心だった時代から、機械化が進んだ時代へ。素材や工程が変わっても、ウェグナーの椅子には常にハンドクラフト的な温かみが宿っています。

1970年代以降、デンマークの家具産業は厳しい時代を迎えますが、それでも彼の椅子が作り続けられている理由。
それは、流行ではなく、人の身体と暮らしに正面から向き合ったデザインだからこそだと感じました。

会場で流れていた映像の中で、
「一番好きな作品は？」という問いに、ウェグナーが「最新作」と答えていたのが、とても印象的でした。思い描いた通りにできなかった場合、そこで終わりにしない。


作り続け、ブラッシュアップし続ける。その姿勢こそが、500点以上の作品を生み出した原動力なのだと思います。

また、織田憲嗣さんの音声解説からは、ウェグナーのリビングには「こけし」などの日本の伝統工芸が多く、メインの照明には提灯が使われていたことなどが紹介されていました。

「チャイナチェア」を製作していたことからも、アジアへの関心が非常に高かったことがうかがえます。北欧デザインでありながら、どこか日本人の感性に響く理由が、そこにあるように感じました。

展示の最後には、物販コーナーにデンマークコーヒー「The Coffee Collective」のスペシャルティ・コーヒーを楽しめるスペースがありました。

この日は「Yチェア」に座って、本日のコーヒー「RESHAD」をいただきました。

椅子に座り、コーヒーを飲みながら、

「良い椅子とは何か」「デザインとは何のためにあるのか」。

そんなことを、自然と考えさせられる時間でした。

織田コレクション「ハンス・ウェグナー展 至高のクラフツマンシップ」は、渋谷ヒカリエホールにて１月18日（日）まで開催されています。

【関連URL】 

●織田コレクション　ハンス・ウェグナー展　至高のクラフツマンシップ | Bunkamura

『ローリング・ストーンズ・アット・ザ・マックス』を観てきました。

12月10日（水）、11日（木）の全国IMAX劇場でたった2日間だけの限定公開という特別な機会ということもあり、やはり期待が膨らみます。

本作は1991年に初公開されたライブ映画で、1990年の「スティール・ホイールズ／アーバン・ジャングル・ツアー」を記録した、史上初の長編IMAXライブ映画として知られています。今回の公開にあたっては、IMAX独自のデジタル・メディア・リマスター（DMR）技術による新たなリマスターが施され、完全新規のサウンドミックスによって、往年のライブが現代の劇場環境にふさわしい迫力でよみがえっていました。

35周年という節目にこの映画を観られたことは、個人的にも感慨深いものでした。初来日時のツアーから35年。私自身も当時、東京ドームでの「スティール・ホイールズ・ツアー」に参加しており、あれからこんなに年月が経ったのかと思うと、スクリーンに映し出されるメンバーの姿とともに、忘れていた当時の空気感が鮮明によみがえってきます。

IMAXの巨大スクリーンでは、メンバーはもちろん、バックを支えるミュージシャン、ステージセットや衣装といった細部までが驚くほど鮮明に見えます。観客席からでは決して捉えられないアングルでの撮影も興味深く、ステージ上の温度や熱量が直に伝わってくるようでした。

同行者いわく「演奏と編集が合っていない部分がある」との指摘もありましたが、メンバーへフォーカスした編集として見ると、それはそれで新しい視点として楽しめるという話を聞き、たしかにそうかもしれないと新鮮な気づきがありました。

そして、ビル・ワイマンが脱退し、チャーリー・ワッツは旅立ってしまった今、5人が揃った最後のシーンは胸に迫るものがあり、当時の空気を知る者として言葉にしがたい思いが胸の内に広がりました。圧倒的なパフォーマンスと、IMAXならではの映像・音響の包み込むような臨場感に身を委ねながら、なつかしさとともに深い余韻を味わう鑑賞となりました。

上映後には、リーフレットと入場口で配布されていたカードを改めて眺めつつ、この限定公開に立ち会えたことをうれしく思いました。音楽映画としてだけでなく、デザイナーの視点から見ても、当時のステージ表現が立体的に再解釈される貴重な体験だったと感じています。

【Setlist】

01　コンチネンタル・ドリフト（Continental Drift）※オープニングBGV

02　スタート・ミー・アップ（Start Me Up）

03　サッド・サッド・サッド（Sad Sad Sad）

04　ダイスをころがせ（Tumbling Dice）

05　ルビー・チューズデイ（Ruby Tuesday）

06　ロック・アンド・ア・ハード・プレイス（Rock and a Hard Place）

07　ホンキー・トンク・ウィメン（Honky Tonk Women）

08　無情の世界（You Can't Always Get What You Want）

09　ハッピー（Happy）

10　黒くぬれ！（Paint It, Black）

11　2000光年のかなたに（2000 Light Years from Home）

12　悪魔を憐れむ歌（Sympathy for the Devil）

13　ストリート・ファイティング・マン（Street Fighting Man）

14　イッツ・オンリー・ロックン・ロール（It's Only Rock 'n' Roll）

15　ブラウン・シュガー（Brown Sugar）

16 （アイ・キャント・ゲット・ノー）サティスファクション
     （（I Can't Get No）Satisfaction）

●『ローリング・ストーンズ・アット・ザ・マックス』
　 特別映像“スタート・ミー・アップ（Start Me Up）”

【関連URL】 

●映画『ローリング・ストーンズ・アット・ザ・マックス』公式サイト

映画『Ryuichi Sakamoto: Diaries』を観てきました。

本作は、2024年4月に放送されたNHKスペシャル『Last Days 坂本龍一 最期の日々』をもとに制作された映画で、坂本龍一さんが残した日記を手がかりに、最期の3年半を静かに、丁寧にたどる作品です。

画面には雨や雲、月といった自然のモチーフが繰り返し登場し、そこに重なるナレーション（田中泯さん）や音楽、そしてふっと訪れる静寂が、彼の心の動きや思索の深さをそっと浮かび上がらせます。語りすぎることなく、余白の表現を大切にした構成は、デザインの仕事にも通じる感覚があり、観る側に多くの想像や解釈を委ねる映画だと感じました。

日記に綴られた言葉からは、まだまだやりたいことがたくさんあるのに、思うように時間が残されていないことへの痛みが伝わってきます。しかし同時に、限られた時間の中でもこれほど活動を続けられるのかと驚くほど、多くの創作や行動を重ねていたことにも心を打たれました。音楽を中心に据えながら、ライブ、映画、アートなど多様な表現方法を追求し続けた姿は、デザイナーとして仕事に向き合う自分にも大きな刺激を与えてくれます。

さらに、坂本さんは作品づくりだけでなく、社会活動にも力を注いだ方でした。東日本大震災やウクライナ侵攻といった出来事が起こると、すぐに行動し、メッセージを発信する人で、その姿勢は作品と同等かそれ以上に強いインパクトを与えてくれたように思います。私自身、迷ったときには「坂本龍一ならどう考えるだろう」「何を選ぶだろう」と自分に問いかけることがあり、まるで一つの指標のように存在してきた人でした。亡くなった今でも、その問いかけが消えることはありません。

10代の頃から見続けてきた人が、どのように生き、どのように人生を終えていくのかを見届けることになった今回の映画は、自分にとって大きな節目にもなりました。『ぼくはあと何回、満月を見るだろう』を読み、この映画を観たことで、ようやく彼が旅立ったことを少しずつ受け入れられるようになった気がします。満月の光のように、坂本さんの言葉や音楽、そして生き方は、これからも静かに、確かに、自分の中で光り続けていくのだと思います。